JENIFER RUBELL

El siglo XX cambió profundamente el concepto tradicional de arte con la ruptura de los cánones establecidos y la aparición de numerosas nuevas disciplinas y modos de expresión. Es cierto que muchas de las nuevas formas tienen un componente conceptual elevado que las hace difíciles de comprender por el público general, pero al mismo tiempo ejercen un gran poder de atracción. Es lo que ocurre con los trabajos de Jennifer Rubell, que se ha especializado en crear instalaciones artísticas basadas en la comida.

Jennifer Rubell, nació en 1970, es una artista conceptual estadounidense conocida por sus interpretaciones participativas de escultura, vídeo, pero sobre todo destaca por sus instalaciones artísticas gastronómicas. Cada año desde 2002, Rubell ofrece una presentación interactiva de comida en la Colección de la Familia Rubell en Miami durante Art Basel Miami Beach.

El hecho es que Jennifer ha llevado sus originales instalaciones a los escenarios artísticos más importantes del mundo como Los Angeles County Museum of Art, en donde montó Old Fashioned

old fashioned

Jennifer Rubell también famosa por su Muro Acolchonado, que no es más que un cuarto con paredes hechas de algodón de azúcar, o bien, otras obras en las que los comensales debían colocar unos tarros llenos de yogurth en unos huecos que goteaban miel, esto con la idea de que entendieran el proceso de “esperar y recibir”.

                        muro acolchado

LEE BUL

Lee Bul nació en Corea del Sur en 1964 es un artista contemporáneo de escultura e instalación que apareció en la escena artística a finales de los años ochenta. Su trabajo cuestiona la autoridad patriarcal y la marginación de las mujeres al revelar ideologías que impregnan nuestras esferas culturales.

Estos temas toman forma en esculturas e instalaciones frías y mecánicas que reflejan los ideales de una sociedad futurista.  Ella se ha centrado en dar forma a la opresión de las mujeres, la comercialización del sexo, etc. que se intensifican en una sociedad dominada por hombres a través de diversas actuaciones y objetos. Desde su introducción al mundo del arte, ha captado los ojos del mundo del arte en todo el mundo con varias obras de arte ambiciosas como estas:

Ella presentó un rendimiento innovador usando su propio cuerpo y una obra de arte textil tridimensional. Además, en una exposición invitacional del MoMa (Museo de Arte Moderno) en los Estados Unidos.

JORDI COLOMER

Jordi Colomer nació en barcelona, el 23 de febrero de 1962 es un artista español contemporáneo que Actualmente vive y trabaja entre París y Barcelona.

En un primer periodo desarrolló una escultura objetual que fue incorporando una escala arquitectónica. En 1996 inicia sus trabajos en vídeo en forma de micro-narraciones de raíz Beckettiana en las que los personajes se confrontan a decorados y objetos -Simo (1997).

Posteriormente desarrolla una singular visión de la ciudad contemporánea. La serie de vídeos Anarchitekton en 2002-2004, es una de de sus obras más emblemáticas; en esas cuatro ciudades el artista Idroj Sanicne 1​ porta maquetas de cartón, réplicas de edificios reales y a través de los cambios de escala se describe una deriva sarcástica y crítica al mismo tiempo.

Otras obras importantes son Arabian Stars (2005), rodada en Yemen, En la pampa (2008) En los proyectos mas recientes investiga las múltiples facetas de la Utopía y sus relaciones con la ficción y la Historia ; "L'avenir" (2011), , X-Ville (2015). En el año 2008 la Galerie nationale du Jeu de Paume de Paris le dedicó una importante exposición retrospectiva.

DANIEL CANOGAR

Daniel Canogar nació en Madrid en 1964. Cursó estudios de Ciencias de la Imagen en la Universidad Complutense de Madrid, obteniendo la licenciatura en 1987. Entre ese año y 1989 vivió en Nueva York, realizando un Master en Arte, con especialización en fotografía, en la New York University. Volvió entonces a Madrid, donde continúa viviendo y trabajando.

Había comenzado a exponer su trabajo fotográfico a principios de los ochenta. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1985, en la Galería Aele, de Madrid. Utilizando la fotografía, su trabajo se ha ido abriendo hacia la utilización de soportes translúcidos, como el metacrilato, los cables de fibra óptica, o los focos de luz, en la configuración plástica de ambientes, en instalaciones. algunos ejemplos, son:

En 1992 publicó el libro Ciudades efímeras, un lúcido análisis de las exposiciones universales, de la mezcla de tecnología y espectáculo que en ellas se produce. Además de su actividad artística, Canogar desarrolla también una importante tarea en el terreno teórico, a través de cursos y publicaciones.

Expone habitualmente en las Galerías Helga de Alvear, de Madrid y Estrany/De la Mota, de Barcelona. Ha sido seleccionado para la Bienal de Lyon, en la que está presente desde el pasado 26 de junio hasta el 24 de septiembre. El 16 de ese mismo mes tiene previsto inaugurar una exposición individual en Montréal, en Oboro, una de las salas artísticas de mayor relieve de Canada.

NACHO CRIADO

Nació en 1943 en la ciudad de Mengíbar que se encuentra en la provincia de jaén en Andalucía. Estudió arquitectura en Madrid y mas tarde estudió ciencias sociales en Barcelona regresando a Madrid en 1969. Su obra se enmarca dentro del minimalismo con trabajos sobre madera y hierro.

En sus inicios allá por los años 60 se preocupaba por el reduccionismo formal, el comportamiento del material y también aspectos espaciales

Desde 1970 las constantes de su trabajo se dirigen hacia una ampliación y liberación de lenguaje dando con ello prioridad a aspectos como la experiencia del tiempo, la identidad y la condición híbrida de la práctica artística.

Varias instalaciones que nos han llamado la atención es la exposición que realizó en el Museo de arte Reina Sofía en 2012. A continuación les mostramos algunas de ellas.

INSTALACIONES ARTISTICAS EN EL GUGGENHEIM BILBAO

El Museo Guggenheim Bilbao es un museo de arte contemporáneo diseñado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry y localizado en la villa de Bilbao en el País Vasco, España. La característica más llamativa del museo es el innovador edificio en el que se emplaza, constituido por formas curvilíneas y retorcidas, recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio.

Las exposiciones en el museo cambian frecuentemente y contienen principalmente trabajos realizados a lo largo del siglo XX siendo las obras pictóricas tradicionales y las esculturas una parte minoritaria comparada con otros formatos como los electrónicos e instalaciones artísticas que es sobre lo que tratará la entrada. algunas de las instalaciones artísticas que hay en el museo son las siguientes:

David Altmejd

La Universidad 2 (The University 2), 2004

CAI GUO-QIANG

quiero creer

Ernesto Neto

Instalación suspendida en el aire

25.000 FLORES DE PAPEL CONVIERTEN UNA HABITACIÓN EN TODA UNA EXPERIENCIA ARTÍSTICA

Hanami es un término japonés que significa “ver las flores” y hace referencia especialmente a la fiesta en la que los japoneses acuden a parques y jardines para contemplar los cerezos en flor (sakura), símbolo de la llegada de la primavera en el país nipón.

Más de 25 mil flores de papel cuelgan sobre un atrio de 6 metros ubicado en el shopping de Omotesando, en Tokyo, el cual es un exclusivo barrio comercial. Actualmente es conocida como uno de los "escaparates arquitectónicos" mas importante del mundo y es una zona donde hay gran cantidad de tiendas de lujo de marcas internacionales como Dior, Louis Vuitton entre otras.  Esta escena tan estimulante visualmente es parte de la nueva instalación de Emmanuelle Moureaux denominada "Color Mixing".

Esta obra fue realizada por motivo del centenario de la compañia japonesa de rodamientos de NKS. Es una instalación que transmite la tecnología de una manera simple y atractiva a traves del movimiento de los colores utilizando los soportes de NSK. 

A medida que los visitantes se mueven en el atrio en forma de espiral, se ven inmersos en el mundo de color de Moureaux. Ese amplio espacio se transformó en un jardín secreto donde las flores caen como cascadas en más de 100 colores diferentes. La artista francesa, que actualmente vive en Tokyo, profundiza aún más la experiencia usando pequeños ventiladores y molinos sobre cada cortina de flores. Cómo resultado, la instalación rota muy despacio, cambiando las tonalidades a medida que se mueve. Dado que cada flor individual tiene pétalos de diferentes colores, estas variaciones y efectos son aún más enriquecedores.

GABRIEL DAWE: ARCO IRIS HIPNÓTICO

El artista mexicano Gabriel Dawe crea instalaciones coloridas hechas a base de hilo posicionado de tal manera que explora diversas perspectivas y profundidades. Su obra, que está influenciada profundamente por la cultura y el folclor mexicano, ha sido expuesta internacionalmente.

Gabriel Dawe nació y creció en la Ciudad de México, donde observó que el trabajo con textiles y tejido estaba reservado para las mujeres. Después de haber estudiado diseño gráfico, Dawe se mudó a Montreal y decidió romper este estigma atado al bordado. Inspirado por la obra del escultor Anish Kapoor, Gabriel Dawe comenzó a trabajar con hilo de una manera repetitiva y obsesiva para retar las ideas que existen sobre el machismo.

Además Dawe vivió una parte de su vida en Canadá y luego se trasladó a Dallas, donde obtuvo su Master of Fine Arts en la Universidad de Texas. Sus trabajos han sido expuestos en Bélgica, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y España, concretamente en el Museo de Arte de Toledo, en Ohio; desde un aeropuerto hasta el atrio de un museo.

En abril de 2012, Gabriel Dawe presentó la exhibición The Density of Light (La Densidad de la Luz) en la galería Lot 10 en Bruselas, esta fue la primera exposición individual del artista y recibió excelentes críticas dándolo a conocer internacionalmente.

Gabriel Dawe explica que el sitio donde crea la instalación dialoga con el hilo para que juntos provoquen una reflexión específica. A través de sus enormes y casi vertiginosas obras, Dawe nos hipnotiza hasta olvidar las normas sociales y expectativas que tenemos sobre masculinidad y feminidad.

La instalación es "básicamente la superposición de dos estructuras arquitectónicas hechas con el material principal de la ropa", comenta Gabriel Dawe. "Comencé a trabajar con textiles como una manera de desafiar nociones de la identidad de géneros. Crecí en Ciudad de México donde hay una gran noción de la cultura "macho" la cual me prohibía investigar con textiles cuando era niño. ahora como adulto decidí desafiar esa cultura" continua. 

para montar el hilo el artista colocó cuatro soportes principales (dos en el suelo y dos en el techo) con varios ganchos cada uno. luego diseñó una herramienta especial para poder tejer la instalación; un palo extensivo que actúa como una aguja gigante que permite llevar el hilo del piso al cuelo sin problema y hacerlo cuantas veces sea necesario. Hay miles de conexiones entre ganchos en el suelo y el techo y cada hilo tiene alrededor de 120-100 kilómetros. visto de cerca y en conjunto los hilos parecen ser "rayos de luz congelados".

CONCEPTO DE ESPACIO Y TIEMPO

El espacio es uno de los conceptos difíciles de explicar porque no solo se refiere a lo que está fuera
de un cuerpo u o objeto (el aire, la distancia que hay entre dos personas, en lugar de donde se coloca un cuadro, el alrededor), sino también a lo que el cuerpo u objeto mismo ocupa; también es un medio físico en donde el tiempo transcurre (nuestro planeta), es un elemento físico afectivo, simbólico, sensible, expresivo, en donde el artista puede expresarse por medio de su obra con los demás a través de sus sentidos, por ejemplo: en el teatro, en un escenario, por medio del cine. En definitiva, podemos definirlo como el marco de referencia, o mejor dicho el lugar en donde percibimos los objetos.

En cambio el tiempo lo podemos definir como la duración que hace posible que la obra exista en el espacio. Se da a la vez como partículas estructurales como en la música, la poesía y el ballet. El tiempo en las artes visuales lo dará el espectador al realizar el recorrido perceptivo de la obra. 

CUÁLES SON LAS DIFERENCIAS ENTRE ESCULTURA, ESTRUCTURA Y CONSTRUCCIÓN?

“Arquitectura es esculpir el espacio para satisfacer necesidades físicas, emocionales y espirituales, protegiendo el resultado con una piel armónica con la estética, técnicas y sitio, del momento en que se realiza “. “Arquitectura es modelar metapiel social con arte”.

Cuando la piel se vuelve preponderante por su valor estético, tiende a ser escultura, si el predominio es técnico, tiende a ser ingienería constructiva, si el énfasis es el sitio, tiende a ser paisajismo, si se da una armonía entre todos los sistemas, estamos en presencia de una buena obra arquitectónica. Cada obra tiene su proporción y la justa medida es tarea del arquitecto, que si hace de su diálogo y síntesis una sinergia poética, tenemos una obra de arte.

La arquitectura es un hecho cultural y contextual, en un espacio/tiempo concreto, por lo que no es arquitectonicamente valido trasladar una obra o estilo de un sitio a otro, violando tales parámetros que le dieron su esencia.

Tradicionalmente, la arquitectura ha sido considerada una de las seis bellas artes. Determinados edificios u otras construcciones son obras de arte ya que pueden ser considerados primariamente en función de su forma o estructura sensible o de su estética. Desde este punto de vista, aunque los medios de la arquitectura puedan consistir en muros, columnas, forjados, techos y demás elementos constructivos, su fin es crear espacios con sentido donde los seres humanos puedan desarrollar todo tipo de actividades. Aquí es donde se puede distinguir la arquitectura (como arte) de la mera construcción. Así es como es capaz de condicionar el comportamiento del hombre en el espacio, tanto físico como emocional.

Puedo decir que la arquitectura es un producto humano cuya misión es ordenar y mejorar nuestras relaciones con el entorno. También es necesario investigar como surgen los productos del hombre. De ahí me surge la pregunta: ¿ cuál es el propósito de la arquitectura?, y me respondo; la vida consta de actividades cambiantes que exigen entornos cambiantes y por lo tanto, el ambiente se nos aparecerá de diferente manera dependiendo de nuestra condición inmediata.

UN DESIERTO SINTÉTICO EN EL MUSEO GUGGENHEIM DE NY PARA EXPERIMENTAR EL SILENCIO ABSOLUTO

El silencio en nuestra era es una necesidad poco reconocida que se ha convertido en un lujo. El silencio, que es lo místico, es también la raíz de la salud de la mente. El silencio, que es oro (según la frase popular), es ahora también una atracción de museo.

El Museo Guggenheim de Nueva York ofrecerá a sus asistentes un desierto sintético, acústicamente blindado, en el que se podrá tener una experiencia de la amplitud que nutre la mente. El proyecto PSAD Syntethic Desert III es el hijo de la mente del artista Doug Wheeler, un proyecto que ha madurado, con desprecio a la premura y a la agitación que caracteriza a nuestra época, desde hace 50 años (en el silencio, el tiempo se desvanece). El desierto sintético de Wheeler consiste de una plataforma --que da la impresión de suspenderse sobre un abismo en el que se encuentra una serie de pirámides hechas de un material que apaga el sonido (una versión de las cámaras anecoicas usadas en experimentos). La iluminación, a su vez, hace que se tenga la ilusión de que la galería es un espacio interminable, sin límites visibles. Se tiene entonces la sensación de estar en el mar o en el desierto, algo que mimetiza el desierto de Arizona, caro a Wheeler.

Quizás este espacio pueda servir como un destello del silencio tan apreciado por diversos místicos. Uno de los más destacados en la actualidad, David Chaim Smith, escribe en The Awakening Ground:

La práctica contemplativa empieza con el amor al silencio. Silencio en este caso no se refiere a la mera ausencia de sonidos audibles, aunque este es uno de los aspectos que invitan a la mente a la gran expansión de su naturaleza esencial. El gran silencio es pleno, resonante y habla a través de todas las cosas. Puedes empezar llamándolo en tu interior, donde reside sin interrupción.

El amor al silencio es una especie de hambre o sed. Cala profundamente hondo. La urgencia de unirse a él es como el fuego que intensifica la aspiración gnóstica.

DORIS SALCEDO

La escultura colombiana Doris Salcedo nació en Bogotá en el año 1958. Su trabajo responde a la situación política en Colombia. En sus esculturas utiliza muebles, eliminando su naturaleza familiar y dándoles un aire de malestar y horror.

En cuanto a su trayectoria, Doris Salcedo estudió Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá. En 1984 hizo el postgrado en la universidad de Nueva York, después regresa a Colombia entre 1987 y 1988, allí dirige la Escuela de Artes Plásticas del Instituto de Bellas Artes de Cali. Obtiene una beca de la Fundación Guggenheim y Penny Mc.Call, con esta aumenta su popularidad. Es en este momento que se da cuenta de qué es lo que quiere hacer como artista y se dirige a las zonas más deprimidas de Colombia, allí habla con familiares de personas que han sido asesinadas por la violencia, y luego utiliza sus testimonios como base en la creación de sus obras.

Sus obras han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno (MoMa) de Nueva York, en el Tate Modern de Londres, en el Centro Pompidou de París, y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. Es una de las artistas colombianas más importantes en la escena contemporánea internacional.

Entre 1987 y 1988 dirigió la Escuela de Artes Plásticas del Instituto de Bellas Artes de Cali. Recibió una beca por la Fundación Guggenheim y Penny Mc.Call. Además, fue reconocida por la Galería Camargo Vilaça, São Paulo. En 2000 se publicó el libro Doris Salcedo sobre su obra. La escultora colombiana se convierte en la primera mujer en recibir el premio Velázquez.

A lo largo de su carrera, la artista Doris Salcedo (Bogotá, 1958), ha desarrollado un complejo y multifacético trabajo en torno a la violencia política y el sufrimiento de aquellos que han quedado excluidos de unas condiciones de vida digna. Con sus creaciones busca (re)construir la historia, incompleta y fragmentada, de los seres que habitan en la periferia de la vida. No en vano, Salcedo se suele describir como una escultora al servicio de las víctimas, concibiendo su obra como una oración fúnebre con la que trata de erigir los principios de una "poética del duelo". Y lo hace desde la premisa de que solo a través del duelo, que ella considera la acción más humana que existe, se puede devolver la dignidad y la humanidad arrebatadas.

Palimpsesto, título de su intervención en el Palacio de Cristal, constituye un ejemplo paradigmático tanto del característico modus operandi de Doris Salcedo (sus proyectos suelen ser de largo recorrido y exigen un complejo y minucioso trabajo de conceptualización, investigación y ejecución), como de su decidida apuesta por "presentar la violencia sin violencia", por hacer perceptible el dolor sin necesidad de mostrarlo explícitamente. Del suelo del Palacio surgen gotas de agua que lentamente se unen hasta formar los nombres de hombres y mujeres que se han ahogado al intentar llegar a Europa en busca de una vida mejor. La artista colombiana visibiliza así uno de los hechos más dramáticos e ignominiosos de la nuestra historia reciente: la muerte de miles de personas en las aguas del Mediterráneo ante la indiferencia, cuando no (in)consciente complicidad, de una sociedad europea anestesiada y en peligrosa deriva hacia un cierre identitario.

Reconocida como una de las artistas más destacadas de su generación, la obra de Salcedo ha sido objeto de una importante retrospectiva en el Museum of Contemporary Art de Chicago (2015) que itineró por otras sedes norteamericanas hasta finales de 2016. Asimismo, su trabajo se ha mostrado en museos y centros de arte de todo el mundo a lo largo de las dos últimas décadas: New Museum of Contemporary Art (Nueva York, 1998), San Francisco Museum of Modern Art (1999 y 2005), Tate Britain (Londres, 1999), Camden Arts Centre (Londres, 2001), Sala de Turbinas de la Tate Modern (Londres, 2007 ), Inhotim Centro de Arte Contemporânea (Belo Horizonte, 2008), MUAC (Ciudad de México, 2011), Moderna Museet (Malmö, 2011) o MAXXI (Roma, 2012). Ha participado en numerosas y destacadas bienales internacionales: XXIV Bienal de São Paulo (1998), Trace, the Liverpool Biennial of Contemporary Art (1999), documenta 11, Kassel (2002), 8º Bienal Internacional de Estambul (2003), T1Triennial for Contemporary Art, Turín (2005). Ha sido merecedora del Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2010), del Hiroshima Art Prize (2014) y del Nasher Prize for Sculpture (2015).

ALICIA MARTÍN

Alicia Martín (Madrid, 1964) es una artista española  que desarrolla su obra en diferentes disciplinas, escultura, fotografía, vídeo, instalación y dibujo, siendo la escultura el campo en el que ha sido más prolífica y en la que ha obtenido mayor reconocimiento. A principios de los años 90 comienza a trabajar con libros, el elemento que se ha convertido en una de sus señas de identidad.

Su obra está presente en alguna de los principales museos de Arte Contemporáneo de España, como el Musac, DA2, MAS, CGACo el Museo Patio Herreriano.

Los libros son la materia prima a partir de la cual elabora casi toda su obra, las composiciones que luego fotografía, los montajes en vídeo y especialmente las esculturas de gran formato donde cientos de libros conforman grandes estructuras creadas ad hoc (site specific) para un museo o una exposición.

El libro como centenario vehículo transmisor de cultura, su universalidad y cotidianidad dotan a la obra de Alicia Martín de una poderosa carga simbólica y consecuentemente múltiples interpretaciones.

Su obra más conocida popularmente es Biografías, un torrente de libros saliendo por una ventana, que desde su instalación en la Casa de América en 2005 ha viajado a otras ubicaciones, como el Molino de San Antonio en Córdoba (2009), la librería Ghandi en México (2011), el Museo Meermano en la Haya (2012) o en 2015 como parte de las exposiciones de la Capital Europea del Cultura en Mons. ​ Pese a una primera impresión de homogeneidad cada obra tiene detrás un intenso trabajo de reflexión y preparación además del evidente esfuerzo material de preparar este tipo de obras de gran formato.

Sobre el origen de los libros utilizados en su obra, destaca Alicia Martín el interés que despierta en ella el libro usado, que ha sido leído y ya interpretado al menos una vez, pero en cada obra provienen de un lugar diferente, ediciones obsoletas, errores de imprenta, donaciones colectivas, etc . . .

Ha expuesto de manera individual en galerías como Espacio Marzana (Lo Relativo, 2013), Olivia Arauna (Contemporáneos, 2000,​ Odio la luz azul a loido, 2003, Subjetivos, 2005), Adora Calvo (Peso Específico, 2013-14), Bacelos (Pareidolia, 2014) o Galleria Galica, en Milán o en salas públicas como el Centro Cultural Tomás y Valiente (Irreversible, 2010) o la Ciudad de la Cultura de Santiago de Compostela (Inside, 2011-12), fruto de esta última la escultura Singularidade permanece allí.

Así mismo ha participado en multitud de exposiciones colectivas, tanto en España como en Italia, Estados Unidos o Hispanoamérica.

EL JARDÍN DE LA LUZ DE LONDRES

EL JARDÍN DE LA LUZ DE LONDRES SE CUBRE DE 2000 NARCISOS ILUMINADOS POR UNA PRECIOSA CAUSA

¿ Eres amante de los Narcisos? Aquí te sorprenderemos con este impresionante jardín iluminado en Londres y lo mejor para ayudar a una buena causa

Cada mes de marzo, Londres se inunda de narcisos brillantes y fluorescentes. Pero este año ha sido particularmente especial porque todas las flores se han hecho a mano y por una buena causa.

Un jardín formado por 2.100 hermosos narcisos hechos a mano que durante toda la noche en las sombras de la catedral de San Pablo en Londres que ilumino para marcar el lanzamiento de un llamamiento benéfico para aquellos que viven con enfermedades terminales.

El Jardín de la Luz es una instalación artística iluminada e interactiva. Es una obra que surge de la colaboración entre Marie Curie, una organización caritativa con sede en el Reino Unido y que ofrece un apoyo imprescindible a los enfermos terminales, y Greyworld, un colectivo de artistas.

Situado en la popular plaza de Paternoster de la capital británica, Garden of Lightcuenta con una parcela de 2.100 flores iluminadas. Cada narciso (hecho a mano) representa a una enfermera de Marie Curie y simboliza su dedicación por "traer luz en las horas más oscuras." Toda una experiencia llena de simbolismo y sensibilidad.

La instalación iluminada al aire libre, llamada “Garden of Light”, fue diseñada por el artista Andrew Shoben y su colectivo de arte público Greyworld para conmemorar el lanzamiento de la Campaña Great Daffodil por la organización caritativa Marie Curie, que brinda atención y apoyo a personas con enfermedades terminales y sus familias.

Cada narciso iluminado representa a una de las enfermeras de Marie Curie que trabajan en todo el Reino Unido.

“La mayoría de nuestras enfermeras trabajan de noche, por lo que ingresan a las casas de las personas y brindan atención a la persona que está muriendo y apoya a la familia”, dijo la Dra. Jane Collins, Directora Ejecutiva de Marie Curie.

La instalación presenta caminos serpenteantes a lo largo de los cuales las personas pueden caminar mientras escuchan grabaciones de voces que leen cartas de agradecimiento enviadas a las enfermeras de las familias de pacientes a quienes han ayudado.

Los visitantes quedan estupefactos al ver tremenda obra y maravillados por que es para una buena causa.

Marie Curie ha logrado hacer una obra con sentido para que los demás hagamos conciencia de estas terribles enfermedades.

A continuación te mostramos el vídeo de la cuenta de Youtube de Marie Curie donde nos muestra el sentido del proyecto del Jardín de la Luz en Londres:

https://www.youtube.com/watch?v=CR8YuF4j8nU 

TOMAS SARACENO

Tomás Saraceno es un artista, arquitecto y performer argentino nacido en San Miguel de Tucumán en 1973.

Después de pasar los primeros años de su infancia en Italia, regresó a Argentina donde estudió arte y arquitectura de 1992 a 1999 en la Universidad de Buenos Aires. De 1999 a 2000 realizó estudios de postgrado en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova, en Buenos Aires. En 2001 se inscribió en un postgrado en la Escuela Estatal de Bellas Artes de Frankfurt del Meno en Alemania, dirigida en ese entonces por Daniel Birnbaum (curador de la 53 Bienal de Venecia), y luego en 2003 en la IUAV de Venecia. De 2003 a 2004 asistió al curso "Progettazione e Produzione delle Arti Visive" en la Universidad de Venecia, con los profesores Hans Ulrich Obrist y Olafur Eliasson. En el verano de 2009, participó en el Programa Internacional de Estudios Espaciales del Ames Research Center de la NASA en Silicon Valley, California. Ha participado con sus instalaciones en la Bienal de Venecia en las ediciones del 2001, 2003 y 2009 y la Bienal de Sao Paulo en 2006.

Entre los temas abordados en su trabajo están la voluntad de superar las barreras geográficas, conductuales y sociales; el uso de la tecnología para encontrar formas de vida sostenibles para los humanos y el planeta; la superación de los límites entre disciplinas; el modelo de colaboración de investigación y producción aplicada a todos los campos del saber. Profundamente influenciado por la arquitectura de los utópicos años 60, la obra de Saraceno gira en torno a la búsqueda incesante de soluciones técnicas, visuales y de diseño para la creación de estructuras flotantes y en suspensión que pueden hacer posibles formas de vida de bajo impacto ambiental y alto potencial para la movilidad y la interacción social.

El artista tucumano residente en Berlín presenta en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires su muestra "Cómo atrapar el universo en una telaraña". Intenta dar en el blanco de la infinitud espacial en que se inmiscuye nuestra brevísima existencia.

https://www.youtube.com/watch?v=URLYgVhKSUI

Son dos instalaciones. En la primera, situada en el segundo piso, un centenar de telarañas (sin arañas) se disponen sobre cordones con reflectores que las iluminan en un claroscuro monocromático. En la segunda, subsuelo, un haz de luz visibiliza el polvo cósmico flotante en la sala, lo proyecta sobre la oscuridad y, mediante micrófonos, los hace sonoros en varios parlantes; a su lado, una araña teje su propia tela y a cada movimiento que realiza repercute en el sonido y en la imagen del polvo; los espectadores que caminen a su alrededor forman parte del ensamble rítmico. 

Su propósito con esta muestra, cuenta, es "darle vida y presencia a cosas que no respetamos y no vemos, porque es fundamental poder expandir la presencia de los demás y la coexistencia" .

INSTALACIÓN ARTÍSTCAS LUMINOSAS

Bosque de Luz de Sou Fujimoto para COS,

El Bosque de Luz, del arquitecto japonés Sou Fujimoto es una obra inspirada en la arquitectura japonesa, Esta instalación, presentada en el Salone del Mobile 2016 de Milán, está formada por incontables conos de luz que crea una disyuntiva de luces y sombras que late sin parar. El visitante recorre este espacio fugaz y vulnerable mientras interactúa con un futuro inmediato de fuertes contrastes empujándolo, casi de forma inconsciente, a la búsqueda constante de la luz.

Radioactive Control de Luzinterruptus para el Festival Dockville de Hamburg

El accidente nuclear de Fukusima inspira una obra cuya fuerza y carácter reivindicativo permanecen intactos. Durante 4 días en Hamburgo y 30 días en Besançon (Francia) un ejercito formado por un centenar de figuras iluminadas desde el interior y agitadas por el viento nos invita a reflexionar sobre los efectos de la energía nuclear.

wonderWALL – Centro Comercial Colombo en Lisboa

Se trata en esta ocasión del escenario temporal, diseñado por el estudio portugués LIKEarchitecs, para albergar la obra maestra de Jen Lewin, The Pool, en el Centro Comercial Colombo de Lisboa. Un espacio expositivo que subraya el carácter central de la obra y aísla al visitante del entorno para aumentar la intensidad de su experiencia entre los círculos de luz, colores vivos e islas mágicas.