martes, 5 de diciembre de 2017
domingo, 3 de diciembre de 2017
INSTALACIÓN ARTÍSTICA PERMITE EXPLORAR LA ACTIVIDAD CEREBRAL
La diseñadora Manuela Garretón y el neurocientífico Tomás Ossandón indagan en la actividad del cerebro en estado de reposo a través de Default, instalación interactiva que abre el tercer período de la Sala Anilla del Museo de Arte Contemporáneo. La obra se configura como una composición visual y sonora que permitirá al espectador ingresar al cerebro, específicamente a la Red Neuronal por Defecto, para vivir una experiencia inmersiva e inédita.
Contrariamente a lo que antes se pensaba, el cerebro jamás se encuentra inactivo, evidenciando su mayor lucidez cuando no está respondiendo a estímulos externos. A raíz de esta premisa, el Museo de Arte Contemporáneo presenta Default, una instalación interactiva de los académicos Manuela Garretón (diseño) y Tomás Ossandón (neurociencias cognitivas), que explora un fenómeno poco conocido a partir de los datos de una resonancia magnética cerebral.
Así, la Sala Anilla MAC se convierte en un cerebro que, gracias a una visualización 3D, sonorización de datos y sensores, permiten conocer los estados cerebrales de una experiencia humana que todos viven sin ser conscientes de ello. Mediante Default, la Sala Anilla MAC continúa posicionándose como una plataforma para las artes mediales y la convergencia entre arte-ciencia.
Hasta hace poco la neurociencia solo centraba sus esfuerzos en comprender cómo reacciona el cerebro frente a estímulos externos, dejando de lado los “momentos internos”. La mayor parte de estos estudios asumían que la actividad basal del cerebro ─aquella que precede al estímulo─ no tenía importancia. Sin embargo, la evidencia muestra algo diferente: el cerebro utiliza gran cantidad de energía cuando no responde a estímulos y tales momentos son los que ocupan la mayor parte de nuestras vidas.
Este dinamismo espontáneo depende de la Red Neuronal por Defecto (Default Mode Network-DMN). Se trata de una trama que siempre está activa —a excepción de los períodos dirigidos a realizar tareas o cumplir metas—, sobre todo en estados de introspección: como leer pero estar pensando en otra cosa, o cuando caminamos y perdemos la atención del momento. La Red Neuronal por Defecto se relaciona con nuestra memoria y conciencia, particularmente con los episodios autobiográficos asociados con un determinado tiempo y espacio, y por lo tanto, podría explicar muchas dudas sobre la autoconciencia y procesos tan importantes como la abstracción y la creación.
ENTRE ESPACIOS. DO HO SUH
NC-arte presenta Entre espacios la primera exposición individual del artista coreano Do Ho Suh en Colombia. La muestra explora el concepto de pasaje y de los espacios liminales que se ocupan de las condiciones de intimidad y de lo público. El corredor se convierte en el protagonista de la exposición y da forma a la gran escultura de tela y a la video-instalación in situ que ocupan la parte central del espacio. Los pasillos o corredores se han entendido como lugares de tránsito que permiten ir de un lugar a otro pero que no acaban de convertirse en espacios completos. Su característica es precisamente este estado liminal que se define por la indeterminación, la ambigüedad, la hibridación y lo intermedio. En este sentido, igual que los umbrales, los pasajes han sido material de estudio de varias teorías de la antropología y la sociología. 
Del mismo modo, el artista coreano le concede a los objetos que componen los espacios arquitectónicos una calidad diferente. Descontextualizándolos de su lugar común al extraerlos de los pasillos y las paredes, los radiadores, los enchufes, los pomos de las puertas, los extintores –entre otros– se convierten en elementos con otras capacidades narrativas. Efectivamente, ya no están como decorado de una escenografía del habitar, sino que nos obligan a mirarlos con distintos ojos, descifrando su naturaleza y belleza propia. En cierta medida, estos objetos cotidianos poseen una historia, una mitología y una dimensión simbólica vastísima. Sin duda, hablan de nosotros como catalizadores de memoria y recuerdos, revelando una determinada condición y modo de vida. Podríamos decir que el acercamiento de Do Ho Suh hacia los objetos responde a una subjetivación donde el artista se muestra y a la vez se esconde. Entre espacios presenta un compendio de trabajos espaciales que articulan un discurso sobre la intangibilidad de lo que queda, la memoria de lo que se ha vivido y la ilusión que proyectamos de esta. Nos permite mudar la mirada y ver más allá de lo que creemos percibir. CORTOMETRAJE TRUST NO ONE
Este corto no se trata la instalación artística, no obstante, lo hemos realizado los componentes del grupo que administra este blog para la asignatura de Educación de las Artes Visuales y Plástica en la Universidad de Osuna. Esperamos que os guste.
LAS INSTALACIONES ARTÍTICAS DE LARA ALMARCEGUI
Lara Almarcegui es una artista española residente en Róterdam, Holanda que realiza intervenciones e instalaciones artísticas, reconocida por sus series de demoliciones, autoconstrucciones y descampados. “Los objetos apenas me interesan, lo que me obsesiona son los lugares y mi relación activa con ellos; me parece aterrador el modo en que nos han enseñado el arte: producir objetos en el taller que viajan en camión a la sala de exposiciones, donde se exhiben.”
La gran montaña es una de sus obras más importantes.Cuando el visitante acceda este año al Pabellón de España en la Bienal de Venecia, le recibirá y casi le dificultará el paso una gran montaña de grava de más de cuatro metros rodeada -"como si fueran distintos ingredientes para cocinar"- de semejantes de menor tamaño.
Como eje principal, una gran montaña -formada por escombros de cemento, tejas, y ladrillos convertidos en grava- ocupa su sala central, haciendo casi imposible acceder directamente a este espacio. Otras montañas menores hechas cada una de un solo material (serrín de madera, cristal y la mezcla de escoria y ceniza de acero), estarán ubicadas en las salas perimetrales, por donde el público podrá circular rodeando el montículo de mayor tamaño. "Los materiales provienen de restos de demoliciones que, tras ser reciclados según el proceso de tratamiento de escombros de Venecia, se han transformado en grava", explica la artista sobre su intervención, de la que niega, en cambio, posibles dobles lecturas que puedan relacionar estos escombros con temas como "la burbuja inmobiliaria o la situación del país".
A su vez, junto a Murano, Almarcegui ha desarrollado una investigación en torno a la Sacca San Mattia, una isla que se ha formado con escombros de cristal de la industria de Murano. El proyecto consiste en el estudio de un descampado en dicha isla, cómo se formó, el presente geológico y medioambiental del lugar, los proyectos que se han planeado para él y por qué estos no se han llevado a cabo. Sobre este proyecto, Almarcegui desvela: "La investigación previa la he realizado a través de conversaciones con urbanistas y arquitectos de Venecia que me indicaron los planes que se van a llevar a cabo, de modo que pudiera localizar los descampados y terrenos vacíos que se van a ver afectados por estas transformaciones. Para seleccionar el más significativo realicé un recorrido por estas zonas".
LA INSTALACIÓN ARTÍSTICA EN EDIFICIOS
La casa Inquieta
Las personas que prefieren tener los pies sobre la tierra probablemente no se apuntarán a un posible club de admiradores de la casa Reactor, pero quienes gusten explorar las experiencias desconocidas y sensaciones intensas, seguramente disfrutarán mucho de esta vivienda, que se mueve reaccionando continuamente a lo que sucede dentro y fuera de sus paredes.
Esta mezcla de instalación artística y edificio experimental, ha sido diseñada y construida por los arquitectos-artistas Alex Schweder y Ward Shelley, y se localiza —o más exactamente funciona— en el centro artístico Omi International Arts Center (www.omiartscenter.org), en Ghent, (Nueva York, EE UU), donde periódicamente puede ser visitada por el público.
«Situada en la cima de una suave colina, en el denominado Campo de Arquitectura 01 del Omi, Reactor se convirtió durante unos días en una especie de ‘escultura habitable’ donde Schweder y Shelley vivieron unas jornadas a la vista de su audiencia», informa Kate Geurin, directora de comunicaciones de este centro artístico neoyorkino.
«Los movimientos, continuos pero muy suaves, de esta vivienda experimental, hacen visible la íntima relación que existe entre la arquitectura y quienes la habitan, lo cual es precisamente el propósito de esta instalación que gira y se inclina», añade. Alex Schweder (www.alexschweder.com) trabaja con la arquitectura y el ‘performance art’ o ‘arte en vivo’ para «complicar la distinción entre los sujetos ocupantes y objetos ocupados», según el centro Omi. Por su parte, Ward Shelley ( www.wardshelley.com) trabaja como artista en Brooklyn, Nueva York, especializándose en grandes instalaciones que combinan la escultura y el denominado ‘arte en vivo’, de acuerdo a esta misma institución.
El mobiliario de la casa incluye una cocina de gas propano, una nevera, una ducha, un váter químico, un par de camas, estanterías y sistemas de almacenamiento y sillas cómodas, aunque los diseñadores no quieren dar muchos detalles sobre cómo se mueve la casa, un sistema que incluye un eje y unos rodamientos dentro de la columna de apoyo, según la revista ‘New Atlas’.
«El movimiento de rotación y balanceo de este curioso hogar es constante y, a veces, da la sensación de que uno está siendo sacudido, pero es muy suave, y nunca nos ha provocado mareos ni molestias, ni tampoco nos ha despertado», señala Schweder a esa misma fuente.
«Reactor es un experimento al aire libre que nunca antes se había hecho en público y en el que están involucradas muchas variables», señala el arquitecto y diseñador urbano Warren James, nacido en Puerto Rico y actual director del Programa de Arquitectura del centro Omi de Nueva York.
«Cuando el dúo de arquitectos-artistas están situados dentro de Reactor, sus movimientos hacen que la casa se incline como si fuera un subibaja», añade este arquitecto puertorriqueño. En cuanto al exterior de la casa, Warren James explica que «los cambios de clima e incluso el ciclo de día y noche, pueden hacer que la casa gire sobre su soporte».
Según indica Schweder, el mecanismo de Reactor puede conseguir que determinadas partes de la casa se mantengan fuera del alcance de los rayos solares, en determinaados momentos. «¿Qué otro desarrollo arquitectónico podría ser más arriesgado que este? ¿Y qué ocurriría si todas las casas fueron diseñadas como Reactor?», reflexiona por su parte James.
Consultado sobre qué han descubierto en el Omi hasta ahora acerca de la relación entre la arquitectura y sus habitantes a través de esta casa experimental, James responde: «¡Verla es algo fascinante. Aquí, en esta casa, el equilibrio se convierte en algo palpable y visible».
Podría afirmarse que en esta vivienda las funciones básicas y actividades diarias del ser humano, como dormir, cocinar o leer, son elevadas y movidas con el viento. Es como ver un espectáculo de danza sin fin entre dos amantes: la arquitectura y los seres humanos
LA INSTALACIÓN ARTÍSTICA Y EL MAR
Una obra que representa la instalación artística y el mar es Botellas al Mar o al Sali, experimenta la importancia del extrañar, lo simple y lo complejo, solo extrañar, aquellas tardes entre amigos, la tan añorada infancia, recuerdos como estos invadieron los frascos y el Mar o el Sali.
Otra obra es el espejismo del Marino. Es una instalación multidisciplinar: pintura, fotografía, poesía, música y proyecciones que en su conjunto hablan de “ A Costa da Morte”, la relación mitológica del marino con el mar, con Poseidón, espejismos de sirenas, y la dura realidad de las mujeres madres, huérfanas y viudas del océano Atlántico.
También relacionadas con el mar, en Cancún se encuentra el museo de instalaciones bajo el agua, en el que si quieres visitarlo tendrás que sumergirte a grandes profundidades del mar. Estas obras fueron realizadas por Jason de Caires Taylor, un artista inglés y su propósito al realizar estas instalaciones artísticas era convertirlas en arrecifes artificiales.
NOTICIA SOBRE INSTALACIÓN ARTÍSTICA
El Louvre censura una instalación artística por considerarla “sexualmente explícita”
El Louvre ha retirado una gran instalación de un colectivo holandés de arte y diseño por ser sexualmente explícito. La obra “Domestikator” del colectivo Atelier Van Lieshout, que representa un edificio zumbándose a otro de forma bastante naif, debía estar visible el 19 de octubre en el Jardín de las Tullerías del Louvre como parte de Hors les Murs, un programa de arte público organizado por la Feria de Arte Contemporáneo de Fiac .
La censura llega días después de la decisión del Guggenheim de suprimir tres obras de arte controvertidas de su próxima exposición en China por miedo a la reacción de los animalistas.
“Esto es algo que no debería suceder”, dijo Joep van Lieshout, fundador del colectivo, en una entrevista telefónica con The New York Times. “Un museo debe ser un lugar abierto para la comunicación. La tarea del museo y de la prensa es explicar la obra”.
“La pieza en sí no es demasiado explícita, en realidad”, añadió el Van Lieshout. “Es una forma muy abstracta. No aparecen genitales; es bastante inocente”.
La galería con sede en Londres Carpenters Workshop, que representa Atelier Van Lieshout, dijo en un comunicado que la decisión del Louvre es “muy perjudicial para los artistas y el programa Fiac. La obra simboliza el poder de la humanidad en el mundo y su enfoque hipócrita de la naturaleza”. Eso mismo.
La publicación francesa Le Monde informó que el director del Louvre, Jean-Luc Martínez, envió una carta a Fiac para expresar su preocupación por la pieza: “Los comentarios en internet indican que este trabajo tiene un aspecto soez, y corre el riesgo de ser malinterpretado por los visitantes de la exposición”, dijo Martínez en la carta.
El museo también planteó preocupaciones sobre la ubicación de la escultura, que mide 17 metros de altura, cerca de un parque infantil. En los últimos tres últimos años, el “Domestikator” se ha expuesto en el Museo Ruhrtriennale en Bochum, Alemania.
DESEda, UNA INSTALACIÓN EFÍMERA
La instalación DESEdA, propone un viaje a través del tiempo, un recorrido por la técnica y tradición de una actividad a la vez industrial y artesanal, que llegó a ser de las más importantes en época nazarí en Al-Ándalus: la sericicultura, que tiene por objeto la producción de seda. Con esta pieza se propone analizar los múltiples aspectos asociados y relacionados con esta industria y profundizar en ellos: la expansión, implantación, relaciones comerciales e intercambios culturales de la Ruta de la Seda, los sistemas, técnicas y tradiciones inherentes, las profundas transformaciones que los cultivos asociados produjeron en el paisaje, las implicaciones sociológicas de esta forma de producción, la elaboración de tejidos, productos resultantes, etc.
Se propone con esta obra la construcción metafórica y etnológica de un conjunto de oficios, tradiciones e innovaciones, ya desaparecidos en nuestra cultura, con un lenguaje contemporáneo donde se aúnan escultura y vídeo-proyección.
La propuesta es una reflexión y exploración conceptual compuesta por una pieza escultórica, elemento estático que representa el elemento generador de todo el proceso de la sericicultura, compuesta por cuatro capullos de seda de grandes dimensiones, embojados o enramados, que sirven de soporte para la proyección de cuatro vídeos, como elemento dinámico, que representan las cuatro componentes asociadas a la expansión, implantación, explotación y tratamiento de la sericicultura en occidente y especialmente en Granada.
El proyecto toma forma en el zaguán del Museo Casa de los Tiros, el cual se dedica a la difusión de las artes y costumbres de Granada, su imagen, paisaje y las artes industriales granadinas.
La representación del proceso de la sericicultura se hace concreta con la congelación del momento crítico del cambio sufrido por el gusano de seda dentro de su capullo, expresión última del estado de tránsito, de evolución, de impermanencia, de lo efímero. La paralización de ese momento fugaz nos invita a hacer la reflexión de que lo único permanente es el estado continuo de cambio. La dualidad entre efímero y permanente, como conceptos opuestos y complementarios, se manifiesta en la obra a través del movimiento generado por la proyección cíclica y continua de cuatro vídeo-creaciones, que a través del hilo conductor del comportamiento humano asociado a la materia textil, nos invita a reflexionar acerca de la naturaleza cíclica de nuestros actos cotidianos.LA INSTALACIÓN ARTÍSTICA DE RICHARD SERRA
Sus primeros trabajos fueron totalmente abstractos, todavía lejos de sus grandes dimensiones posteriores, basados en el movimiento conocido como process art (arte en proceso) donde: «Lo importante de esos primeros tiempos era el proceso creativo, no el resultado final». En esta época, el artista se basó en cuatro principios para crear: to hurl, to split, to roll and to heap (arrojar, rajar, rodar y apilar), experimentando además con las propiedades plásticas de materiales como el cuero, el neón o el plomo.
Serra realizó para su galería unas cien esculturas arrojando plomo derretido contra una pared y contra el suelo, para que el metal se estrellara antes de solidificarse y creara así las más puras formas.
Vinieron otras grandes obras caracterizadas, sobre todo, por sus formas (grandes rollos en forma de láminas) y por su material (el acero corten), cuya composición química produce una oxidación que protege la pieza de la corrosión del exterior sin a penas perder sus propiedades. El artista, además, buscaba la manera de unir la obra con su ubicación en lo que se ha llamado land art, que trata de liberar a la escultura de los límites de la talla y el entorno. Surgen así piezas como la serie Snake(Serpiente), creada ex profeso para el Museo Guggemheim de Bilbao, en su inauguración, o Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, para el Reina Sofía de Madrid, con el deseo de que el público que las visitara, las recorriera por entero, las atravesara, las «viviera».
LA INSTALACIÓN ARTÍSTICA DE CHRISTO Y JEANNE-CLAUDE
Conformaban un matrimonio de artistas que realizaban instalaciones artísticas ambientales, similares al Land Art. Un aspecto que más llama la atención de su trabajo es el relacionado con una operación que se ha hecho recurrente en su propuesta y es la de envolver o repetir. Envolver que abarca desde un árbol hasta un edificio, cambiando la percepción y relación que se tiene ya sea con la construcción o con el paisaje circundante.
También su propuesta ha abarcado paisajes naturales como es el caso de los 178 árboles del Parque Berower en Riehen, al noroeste de Basilea en Suiza, donde uno de los aspectos más destacables de la propuesta era la heterogeneidad que se generaba a partir de una solución base muy simple, y como esta cambiaba completamente la percepción de la naturaleza y realidad.
Usan la tela y el color como materia propia de sus proyectos. Se emplea un material dúctil, que permite dar cuenta del objeto o elemento que esta siendo intervenido, pero que por las propiedades propias y opacidad del material se reduce a su forma o aspecto más esencial, desapareciendo los detalles y exaltando su condición más plástica, lo cual se ve acentuado mediante el uso de colores y contrastes radicales.
SNAPCHAT REALIZARÁ UNA INSTALACIÓN ARTÍSTICA UTILIZANDO REALIDAD AUMENTADA
Lanzó hoy una nueva iniciativa artística en la que utilizará la realidad aumentada para situar las esculturas del artista estadounidense Jeff Koons, fan de esta red social, de forma simultánea en lugares icónicos.
El proyecto “Art Around You” permite a los usuarios de Snapchat fotografiar la imagen de obras de Koons, artistas estadounidense reconocido por reimaginar objetos cotidianos, como un simple animal hecho de globos, y transformarlos en obras de arte en lugares como el Central Park de Nueva York, frente a la Opera House de Sidney, en el hyde Park de Londres, ante la Torre Eiffel de París o en la playa de Copacabana de Río de Janeiro.
Con sólo abrir la aplicación y apuntar la cámara del celular a la zona en la que está “instalada” de forma virtual la obra de Koons, se pueden admirar sus populares esculturas.
Snapchat pretende así atraer a más usuarios aficionados al mundo del arte y anima en su página web a más artistas a presentar sus proyectos de realidad aumentada.
“Creo que la tecnología nos ha informado muchísimo, y nos ha permitido apreciar otras obras de arte. Creo que es increíble que la gente pueda tomar el teléfono y sentir la libertad que dan aplicaciones como Snapchat para hacer algo estética y emocionalmente gratificante”, opinó el artista.
INSTALACIÓN ARTÍSTICA Y PARTICIPATIVA DE YAYOI KUSAMA
Esta instalación artística se ha denominado Obliteration Room y es proyecto interactivo enfocado a los niños del artísta Yayoi Kusama.
Se trata de una habitación completamente blanca que evoca a un lienzo donde los niños van a poder dar sus pinceladas de color mediante la colocación de pegatinas redondas en forma de puntos de distintos tamaños y colores
LA INSTALACIÓN ARTÍSTICA INFANTIL
El arte es sin duda un factor esencial en la educación de todo ser humano y, por ello, es importante que los niños estén en contacto con este mundo desde las edades más tempranas. A través de este, los alumnos pueden expresarse en un espacio de libertad y construir sus propios conocimientos a través del juego e interacción con lo que les rodea.
La realización de instalaciones en la escuela hace posible una situación lúdica de relación y aprendizaje a través de la transformación del espacio, la exploración de los objetos y la idea que se pretende expresar. Estas propuestas realizadas en contextos escolares ofrecen un espacio de posibilidades y experiencia estética que hace que toda la comunidad educativa participe y se implique.
POMPIDOU MÁLAGA
El recorrido expositivo que presenta la colección permanente del Centre Pompidou Málaga se articula en cinco temas: las metamorfosis, el cuerpo en pedazos, el cuerpo político, autorretratos y el hombre sin rostro. Todos ellos se amplían apuntando en dos direcciones. Es un edificio emblemático y un modelo cultural único.
En Málaga, el Centre Pompidou ofrecerá un recorrido permanente de varias decenas de obras de la imponente colección del Centre Pompidou de París, invitando al público a recorrer el arte de los siglos XX y XXI. Algunos nombres de la primera presentación de las colecciones, que rebasa las 90 piezas, bastan para dar idea de la importancia del proyecto: Francis Bacon, Georg Baselitz, Constantin Brâncuși, Alexander Calder, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Alberto Giacometti, Jean Hélion, Frida Kahlo, Fernand Léger, René Magritte, Joan Miró, Francis Picabia, Pablo Picasso, Antoni Tàpies, Jean Tinguely y Kees Van Dongen.
Junto a esta presencia permanente, se presentarán de dos a tres exposiciones temporales temáticas o monográficas al año, que exploran los diferentes segmentos de la colección (fotografía, diseño, arquitectura y vídeo). La experiencia se vivirá a través de programas pluridisciplinares dedicados a la danza, la representación, la palabra y el cine, con la ayuda de dispositivos de mediación, destinados sobre todo a un público joven.
CENTRO DE ARTE CONTEMPORANEO DE MALAGA
El CAC Málaga está ubicado en el antiguo Mercado de Mayoristas de Málaga, un edificio histórico. El museo está destinado a la divulgación y reflexión del arte contemporáneo. Exposiciones, publicaciones, conferencias, programas pedagógicos, talleres y seminarios son algunas de las múltiples actividades que hacen del CAC Málaga un centro vivo, un lugar dinámico, innovador y abierto a todo tipo de propuestas artísticas y culturales de la vanguardia internacional.
La colección
La colección permanente está en constante evolución, además de nuevas adquisiciones por parte del Ayuntamiento de Málaga, propietario del museo, ha introducido el sistema de cesión por el que coleccionistas privados ceden sus obras por un tiempo determinado.
Podrá realizar un recorrido por los movimientos y tendencias artísticas del siglo XX, en especial de las últimas décadas, desde los años 50 a la actualidad. Louise Bourgeois, Art & Language, Olafur Eliasson, Thomas Hirschhorn, Damian Hirs, Julian Opie, Thomas Ruff o Thomas Struth son algunos artistas que disponen de obras en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga.
El edificio
El antiguo Mercado de Mayoristas es un edificio histórico proyectado en 1927 por Luis Gutiérrez de Soto autor del aeropuerto de Barajas de 1930. Construido en 1939 es un edificio de planta triangular, con dos alturas y definido con espacios cúbicos y líneas rectas.
En 1983 se abandona su uso como mercado y más tarde se propone su uso museístico. En el año 1987 se inicia el expediente para ser declarado Bien de Interés Cultural. Es en febrero de 2003 cuando una vez finalizada la reforma se abre al público.
Son 6.000 metros cuadrados de superficie total, de los que 2.400 se dedican a exposiciones y el resto para conferencias y otros actos culturales.
LA INSTALACIÓN ARTÍSTICA Y LA NATURALEZA
Los hombres del paleolítico representaron la naturaleza como algo simbólico y mágico. Desde un punto de vista clásico el arte siempre ha buscado su imitación. Pero las cosas han cambiado y los artistas contemporáneos recurren a la protesta para denunciar la intervención humana en la naturaleza. La naturaleza también ha sido una fuente de inspiración y de alegría. Y es que los grandes maestros del pasado nos han enseñado a apreciarla desde distintas perspectivas.
La representación artística de la naturaleza está estrechamente vinculada con la percepción social del mundo natural, al mismo tiempo que los artistas contribuyen a un cambio progresivo en la forma en que nos relacionamos con ella y la visualizamos. Durante las últimas décadas se ha producido una transición en la representación de la naturaleza que en muchos casos es el resultado de la fusión de varias ideas intelectuales, sociológicas, políticas y artísticas. De aquella idealización del pasado sólo queda el recuerdo. La actual generación de artistas se ha centrado en presentarnos como temática recurrente la cada vez más amenazante intervención humana en la naturaleza. Aire, tierra, agua y fuego.
INSTALACIONES FOTOGRÁFICAS
Las instalaciones artísticas, por lo general, son la manera en que el artista crea una obra para ser usada en un determinado espacio, donde los objetos y los diferentes materiales se relacionan entre si, creando un juego visual con las personas que visitan el lugar. Es decir, los elementos y objetos puestos en un espacio de una forma determinada pueden verse como una obra única. Así pues, las instalaciones permiten nuevas formas de expresión, de experimentar con nuevos materiales y soportes que ayudan a enfatizar el concepto de la obra.
Por tanto, a la hora de realizar una fotoinstalación hemos de tener muy en cuenta la idea que queremos transmitir a nuestro público, ya que dependiendo del concepto se realizará en un lugar o en otro, aquél que nos ayude a resaltar nuestra idea. Por ejemplo, si el proyecto son fotografías de lugares abandonados se podría exponer en uno de esos lugares retratados, ya que ayudará a remarcar el concepto, creando un interesante juego tanto visual como emocional.
No obstante, hemos de ser realistas y realizar instalaciones no complejas. Han de ser fáciles de transportar y naturalmente hemos de conocer la estructura de la sala. No te complique la vida, y como he dicho cuanto más simple y económico puede funcionar mejor.
En cuanto a las intervenciones fotográficas podríamos decir que son una forma de utilizar los elementos que nos facilita el espacio urbano como lugar para exponer nuestro trabajo. Por lo general las intervenciones tienen un componente más social y político que las fotoinstalaciones.
Los artistas al realizar sus intervenciones pervierten el espacio dotándolo de un nuevo significado y creando en el transeúnte reflexiones sobre la sociedad en que vivimos. No obstante, cabe decir que una instalación fotográfica también es posible realizarla en un espacio urbano, convirtiéndola de esta manera en una intervención artística.
ENSAMBLAJE ARTÍSTICO
El ensamblaje es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos-no-artísticos muy próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se componen estas obras comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido re-descubiertos por los artistas quienes los incorporan a sus obras, de manera conjunta o de forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción.
El assemblage es una técnica hermana del collage. El origen de esta palabra (en su sentido artístico) puede ser rastreado a comienzos de la década de los 50, cuando Jean Dubuffet creó una serie de collages' con motivos de alas de mariposa que tituló assemblages d'empreintes. Sin embargo, tanto Marcel Duchamp como Pablo Picasso ya había trabajo esta técnica con anterioridad. A su vez, la joven esposa de Duchamp también protagonizó alguno de los más tempranos y bellos ejemplos de esta forma artística junto a Louise Nevelson, creador de una célebre serie de esculturas a partir de trozos de madera a finales de la década de los 30.
¿QUE ES EL ENSAMBLAJE ARTÍSTICO?
El ensamblaje es una corriente que hace esculturas con objetos encontrados de cualquier tipo; sobre estos objetos puedes simplemente unirlos, colocarlos todos juntos o puedes pegarlos a una superficie y darles una mano de pintura pareja o como quieras para variar el acabado.
Vídeo arte
En esta entrada, vamos a publicar un vídeoarte realizado por nuestro grupo, este no tiene nada que ver con la instalación artística.
Claes Oldenburg
Claes Oldenburg es un escultor sueco, pionero del pop art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte publico que representan replicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros.
Vamos a hacer un análisis de la obra Lipstick on caterpillar tracks. Esta escultura forma parte de los proyectos a gran escala que desde la década de los sesenta vino desarrollando Oldenburg. Se trata de esculturas de grandes dimensiones ubicadas en lugares públicos, bajo los preceptos de la estética pop. La intención es la de descontextualizar determinados objetos de uso cotidiano para dotarlos de un nuevo significado, una actitud que ya venia investigándose desde el surgimiento del dadaismo. El movimiento pop desarrollo hasta las ultimas consecuencias este concepto de descontextualización, tratándolo de los museos a los espacios de la vida cotidiana.
Pintalabios ascendiendo sobre tanque oruga, esa es la traducción del titulo de la obra a nuestro idioma. A priori, debemos preguntarnos que relación guarda un pintalabios con un tanque. La respuesta correcta es ninguna. Un tanque es un vehículo de combate que tiene un significado solo en un contexto velico y , por otra parte, un pintalabios es un objeto utilizado para el maquillaje y embellecimiento del rostro. Sin embargo, el titulo de la obra no es pintalabios sobre tanque si no pintalabios sobre tanque oruga. Aquí la palabra ascender es la que dota de significado pleno a la obra, ya que uno se superpone sobre otro. La relación entre los objetos no es tanto de asociación como de jerarquización, uno se alza sobre el otro. No son dos objetos en el mismo plano, no guardan una relación de igualdad entre ellos sino de superioridad o de inferioridad.
INSTALACIÓN ARTÍSTICA, EMBLEMA DEL ARTE CONCEPTUAL
Las instalaciones consistentes en las intervenciones artísticas de espacios son una manifestación propia del arte contemporáneo conceptual. Este medio de expresión artística surgió en los años sesentas, tiempo en que representó un desafío para la tradición artística en cuestión de su clasificación y una crítica a lo que se consideraba arte en la historia, al objeto artístico físico, estático y coleccionable. Algunos de sus precursores fueron Yves Klein (Francia, 1928-1962), Allan Kaprow (EUA 1927-2006) ó Claes Oldenburg (Suecia 1929) hasta llegar a las más variadas y diversas expresiones de los artistas de nuestros días.
De acuerdo al concepto y contexto que desee el artista, las instalaciones pueden presentarse en cualquier espacio y ser realizadas con los más variados materiales, medios físicos, visuales o sonoros, incluso en muchas ocasiones son acompañadas por otras disciplinas artísticas como la fotografía, el videoarte o el performance.
Por sus características físicas las instalaciones en varias ocasiones tienen un carácter temporal o efímero ya que se realizan especialmente para un sitio en un determinado tiempo de exhibición, aunque en la actualidad algunas son trasladadas a otros espacios, inclusive vendidas al coleccionista.
Otra característica de las instalaciones es la estrecha interacción que logran con el espectador, ya que motivan la percepción sensorial en cualquiera de los sentidos, ya sea vista, oído, gusto, tacto u olfato; ó despiertan emociones, sentimientos o reflexiones. Donde en todo ello da plena cabida la idea o significado que da el artista y lo que individualmente siente cada espectador frente a la obra. Aunque está claro que no sea su intención elemental, muchas instalaciones se caracterizan por incitar rápida y fácilmente asombro, espectacularidad o polémica.
Entre las instalaciones que emplean animales se encuentra la obra de Cai Guo-Qiang (China 1957) con sus famosas instalaciones de lobos suspendidos en el aire en el Guggenheim, ó Damien Hirst (Inglaterra 1965) con sus montajes de vitrinas con animales en formol. Maurizio Cattelan (Italia 1960) también presenta variedad de instalaciones utilizando animales disecados, sin embargo la exposición del ser humano también tiene cabida en su obra, como lo es la instalación donde colgó a un galerista sobre un muro utilizando cinta adhesiva, convirtiéndolo así en un objeto de exhibición. Cabe señalar que la presencia de personas en las instalaciones también de cabida a una disciplina artística aparte, la cual es el performance donde tiene relevancia la acción escénica de uno o varios sujetos, tema del que se entrará en detalle en otro momento.
Entre las instalaciones que buscan provocar una reacción física en el espectador generando ambientes, encontramos la obra de Olafur Eliasson (Dinamarca 1967) quien trata sobre los fenómenos naturales, las leyes de la física y la percepción sensorial, como lo es su célebre instalación “Weather Project” presentada en el Tate Modern en 2003 donde recreó un clima artificial logrando una estrecha interacción con los espectadores.
Entre las instalaciones con intervenciones de espacios exteriores encontramos el “Land Art” donde se emplean elementos propios de la naturaleza en entornos naturales. O las instalaciones de espacios urbanos o arquitectónicos como la obra del matrimonio de artistas Christo y Jeanne-Claude quienes son artífices del “arte envuelto” cubriendo con enormes telas u otros materiales las edificaciones, espacios públicos o paisajes naturales.
Así entonces las instalaciones artísticas no solo son el montaje y ordenamiento de objetos o seres encontrados, producidos o intervenidos en un espacio o ambiente; las instalaciones tienen sentido en las ideas fundamentadas que concibe y presenta el artista en su obra física o intangible y lo que estas provocan en la interacción con el espectador.
INSTALACIONES ARTÍSTICAS CON ELECTRICIDAD
Hoy os presentamos 3 intervenciones artísticas realizadas en el marco de eventos de empresas. Son especialmente atrevidas por la originalidad de su propuesta, por su diseño y sobre todo por que son, sencillamente, memorables.
Bosque de Luz de Sou Fujimoto para COS
El Bosque de Luz, del arquitecto japonés Fujimoto es una obra inspirada en la arquitectura japonesa y creada para la firma de moda COS. Esta instalación, presentada en el Salone del Mobile 2016 de Milán, está formada por incontables conos de luz que crea una disyuntiva de luces y sombras que late sin parar. El visitante recorre este espacio fugaz y vulnerable mientras interactúa con un futuro inmediato de fuertes contrastes empujándolo, casi de forma inconsciente, a la búsqueda constante de la luz.
Radioactive Control de Luzinterruptus para el Festival Dockville de Hamburgo
La instalación Radioactive Control del colectivo Luzinterruptus es una de las míticas obras de este colectivo. Creada para el festival de Dockville de Hamburgo, este trabajo ha sido rescatado y ampliado para festival lux.
El accidente nuclear de Fukusima inspira una obra cuya fuerza y carácter reivindicativo permanecen intactos. Durante 4 días en Hamburgo y 30 días en Besançon (Francia) un ejercito formado por un centenar de figuras iluminadas desde el interior y agitadas por el viento nos invita a reflexionar sobre los efectos de la energía nuclear.
wonderWALL – Centro Comercial Colombo en Lisboa
Se trata en esta ocasión del escenario temporal, diseñado por el estudio portugués likearchitecs, para albergar la obra maestra de Jen Lewin, en el Centro Comercial Colombo de Lisboa. Un espacio expositivo que subraya el carácter central de la obra y aísla al visitante del entorno para aumentar la intensidad de su experiencia entre los círculos de luz, colores vivos e islas mágicas.
CHIHARU SHIOTA: ESPACIOS DE LA MEMORIA Y EL OVIDO
Chiharu Shiota es una artista especializada en la realización de performances e instalaciones. Es conocida por la creación de obras que llenan espacios vacíos y por lo que ella llama: ambientes poéticos, monumentales y delicados. La obra de Shiota trata sobre la memoria y el olvido, los sueños, las huellas del pasado, la infancia y la ansiedad. Entre su trabajo se encuentra la impenetrable instalación de hilo negro que a menudo encierra hogares y objetos que en ella habitan, espacios en los que se juega con los recuerdos en la mente.
Chiharu Shiota pertenece a una generación de jóvenes artistas quienes han ganado la atención internacional en los últimos años por el arte relacionado con el cuerpo. Su educación en arte, obtenida en academias alemanas, proporciona una clara influencia a su lenguaje pictórico que es orientado a resultados como el performance y las instalaciones realizadas en la década de 1970. Su trabajo tiene una clara influencia de artistas como Marina Abramovic, Ana Mendieta, Janine Antoni, Louise Bourgeois, Carolee Schneemann y Rebecca Horn.
Las instalaciones de Shiota producen espacios propios en los que se hacen visibles una innumerable cantidad de hilos que unen diversos puntos dentro de sus obras. En los escenarios domésticos que propone, los hilos se convierten a su vez en puentes entre un piano y maletas o a un espejo. En su obra, estas fibras son venas por las que circulan hilos conductores de relatos particulares y lágrimas universales; el miedo al abismo, la vida y la muerte, todo esto entremezclándose como un rizoma a través de múltiples ramificaciones que entorpecen la relación entre el sujeto y el mundo. Los hilos transportan dicha información y son esenciales para entender lo que quiere decir la artista; forman redes o alambradas que obstaculizan el paso de extraños a espacios donde la vida cotidiana entra en conflicto con la producción que Shiota desea.
¿COMO SE REALIZAN LAS INSTALACIONES ARTÍSTICAS? ¿QUÉ TIPOS HAY?
Desde sus inicios, las instalaciones se han planteado los límites de la obra de arte, están ligadas a la reflexión sobre el museo, el mercado y los espacios expositivos y vinculan la creación a un lugar específico, otorgando valor a ese espacio y constituyéndose en él. Pueden ser permanentes o efímeras, entrañan la participación del espectador mediante diversos procedimientos, propician experiencias en relación con el espacio, la percepción y los significados y pueden estar constituidas por objetos de cualquier materia y forma, pudiendo ser incluso inmateriales o mixtas.
Se distinguen tres tipos de instalaciones: las pequeñas (tipo repisas), las adosadas a la pared cubriendo parte del suelo y las totales, que utilizan el espacio de manera completa. Las salas de entrada o espacios previos dan significación a estas obras: si estas se encuentran en medio del museo, se producirá un contraste absoluto, quizá, entre un espacio puede que lujoso y una instalación pobre; estos choques de significados son deliberadamente buscados por el artista.
LA IDEA MISMA SOBRE LA EVOLUCIÓN DE LAS INSTALACIONES ARTÍSTICAS
Todo cambia, nada permanece, solía decir uno de los siete sabios de la Antigua Grecia. Y tenía razón, al menos en cierto sentido. El arte no es lo mismo que hace una década, un siglo y mucho menos un milenio.
Los artistas polacos Leon Tarasewicz y Kate Sierzputowski celebran este movimiento, sinónimo de vida, mediante la obra Polish Painting of the 21st Century, ubicada en el Great Hall Staircase de la Galería Nacional de Polonia.
La cual consiste en montones de salpicaduras sobre tres escaleras –de color rojo, amarillo y azul– conectadas entre sí que proyectan orden a través del caos.
La pieza, o mejor dicho meta-pieza, representa la idea de cambio, cómo nuestro concepto de arte ha evolucionado a través del tiempo hasta diversificarse en lo que hoy es; el pensamiento mismo.
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