Donald Clarence Judd, nació el 3 de junio de 1928 y falleció el 12 de febrero de 1994. Fue un artista estadounidense asociado al movimiento minimalista. Su obra se basa en una constante búsqueda por la autonomía y la claridad del objeto construido, resultando en una presentación artística de un espacio sin jerarquía aparente.
Judd creó una gran variedad de obras descritas como "efervescentes" con la intención de desafiar el término "minimalista"; sin embargo, continúa siendo considerado el exponente líder del movimiento y el teórico más importante debido a escritos como Specific Objects. En sus obras, predominan los objetos geométricos los cuales estan hechos de una forma que el resultado final es muy estético y limpio.
Durante sus últimos años, Judd trabajó con muebles, diseño y arquitectura. Tuvo cuidado de distinguir su diseño de su arte, escribiendo en 1993:
"La configuración y escala del arte no pueden transponerse a los muebles o a la arquitectura. La intención del arte es diferente, el diseño debe ser funcional. Si una silla o un edificio no es funcional, si es sólo arte, es ridículo. El arte de una silla no es arte, es parte de su utilidad... Una obra de arte existe como ella misma, una silla existe sólo como una silla.". A continuación, les dejamos varias obras suyas con muebles.
El arte, es una llamativa forma para dar valores a los niños y a los no tan niños, pues puede tratar cualquier tema desde distintas perspectivas y con el objetivo que el autor se proponga transmitir a los que visualicen sus obras. Una gran forma de transmitir a todo el mundo la importancia de la naturaleza y la importancia que tiene cuidarla son las instalaciones artísticas ecológicas. A continuación les mostraremos una serie de instalaciones artísticas ecológicas que no son mas que el uso de la naturaleza u objetos reciclados para cuidar e interactuar con la naturaleza.
Realizado por: Tara Donovan
Se encuentra en el ACE Gallery, Los Ángeles.
Realizado por: Denis Korbes Oudendijk y Jan körbes
Nombre: Salone di gomme ‘en la Bienal de Arquitectura
Miroslaw Balka nació en 1958, Varsovia situado en Polonia. Es un escultor y videoartista que también ha creado instalaciones artísticas bastante peculiares e interesantes. Es polaco y contemporáneo. En 1985 Se graduó de la Academia de Bellas Artes de Varsovia y Actualmente trabaja en Otwock y Warszawa situados en Polonia.
Desde 1986 hasta 1989, Balka trabajó en el grupo Consciousnes Neue Bieriemiennost.
Fue ganador en 1991 del Mies van der Rohe Stipendium del Kunstmuseum Krefeld y fue miembro de Akademie der Kunste, Berlín. Balka dirige el Spatial Activities Studio en la Academia de Bellas Artes de Warszawa (polonia)
Las obras de Balka son propiedad de museos de todo el mundo, incluidos: Hirshhorn Museum, Washington DC; Moderna Galerija, Ljubliana; MOCA, Los Ángeles; MOMA, Nueva York.
Daniel Buren es un artista conceptual francés nacido en Boulogne-Billancourt el 25 de marzo de 1938. Se le considera un minimalista abstracto, y se le conoce sobre todo por el uso de rayas de gran tamaño (8,7 centímetros de espesor), regulares y en contraste, para integrar la superficie visual y el espacio arquitectónico, especialmente histórico, arquitectura destacada.
Al trabajar in situ, busca contextualizar su práctica artística usando la raya, un medio de relacionar visualmente el arte con su contexto, una forma de lenguaje en el espacio más que un espacio en sí mismo. Comenzó a producir obras de arte públicas no solicitadas usando lienzos de toldo a rayas comunes en Francia. Subraya las rayas como un instrumento visual o "herramienta para ver" invita al espectador a asumir su punto de vista crítico desafiando las ideas tradicionales sobre el arte.
Como artista conceptual, fue considerado tan visual y audaz, objetor a las maneras tradicionales de presentar el arte a través del sistema museo/galería mientas al mismo tiempo crecía la demanda de exponer a través del sistema.
En los años setenta y ochenta expuso en Europa, Estados Unidos y Japón. En 1986 logró un estatur de artista líder en una obra discutible en el patio del Palais Royal, París. Ese mismo año, representó a Francia en la Bienal de Venecia y obtuvo el Premio León de Oro. Además en 2007 recibió el Praemium Imperiale. Y fue uno de los cinco artista preseleccionados para el proyecto Ángel del Sur en enero de 2008.
A menudo se refieren a él como el "tipo de las raya" Buren también expresa su tema en pintura, tejidos cortador con láser, cajas ligeras, tejidos transparentes y piezas de cerámica. Sus rayas se muestran en casas particulares, lugares públicos y museos de todo el mundo.
Daniel Buren ha desarrollado una obra polifacética a través de diferentes disciplinas. Su visión de las relaciones entre el arte visual y la arquitectura constituye una de las características fundamentales de su obra. Buren regresa al Centre Pompidou Málaga con una intervención artística para presentar sus nuevas colaboraciones.
Desde el 28 de marzo de 2015, Málaga disfruta de los colores de la obra de Daniel Buren, "Incube", la cual se desarrolla dentro del "Cubo" situado en el paseo que bordea la dársena del puerto. A través de diferentes paneles de vidrio proyectados en la estructura, el artista juega con los colores primarios y sus emblemáticas franjas internas e intercaladas.
Con este “revestimiento”, el Cubo que constituye la única parte visible del Centre Pompidou Málaga, se impone como el símbolo de la presencia de la institución en el paisaje urbano malagueño, llegándose a convertir en uno de los lugares más fotografiados de la ciudad, un punto de encuentro para sus habitantes y la imagen más representativa del museo.
Daniel Buren ha creado una obra concebida específicamente para el Centre Pompidou Málaga, a partir de una de las características más representativas de su obra: la proyección. A través de diferentes tipos de proyecciones, naturales, artificiales, luminosas y arquitectónicas, Buren propone al visitante realizar un recorrido para descubrir los espacios del museo más desconocidos.
Otra de las obras del francés tomó el Instituto Cultural Cabañas (ICC) en Guadalajara, Jalisco en la que se considera una de las muestras mas representativas del arte contemporáneo en México realizada por un artista de proyección internacional. "De un patio a otro: Laberinto" es el trabajo in situ de Daniel Buren que ocupó 18 de los 22 patios de este icónico recinto con el que entablaba un diálogo entre su propuesta, la arquitectura de Manuel Tolsá y los murales de José Clemente Orozco.
Son 19 intervenciones del artista colocadas en más de dos mil metros cuadrados de los nueve mil totales que constituye el ICC, caracterizadas por la estética de Buren: composiciones geométricas, espejos y las líneas de 8,7 centímetros que atraviesan los patios del inmueble. La escena montada por el francés propone una nueva lectura del espacio que incluye composiciones de color, transformación de los exteriores con estructuras reflejantes, la repetición de las formas, "cabañas estalladas" y los detalles que hacen, en palabras de Buren, que el espacio de exhibición sea también un sitio de creación artística.
Los globos son unos de los recursos favoritos de los artistas y diseñadores para crear o agregar en sus obras de arte. Algunos ejemplos de instalación artística con globos son los siguientes:
Charles Petillion, artista y fotógrafo francés, presentó en 2015 una espectacular instalación compuesta por 100.000 globos iluminados flotando dentro del Covent Garden en Londres.
Covent Garden es un barrio de Londres, Inglaterra, localizado en la parte oriental de la ciudad de Westminster y en la esquina sudoeste del municipio de Londres de Camden. El área está dominada por tiendas, artistas callejeros y diversos elementos de entretenimiento y contiene una entrada a la Royal Opera House, la cual es conocida habitualmente como "Covent Garden", por su ubicación, y la ajetreada área de Seven Dials.
Bajo el título de Heartbeat (Latido), la instalación ha sido creada como parte del Festival de Diseño de Londres y se extiende por todo el techo del Hall Sur del Coven Garden. Petillion es conocido por su uso de globos blancos para llenar variopintos espacios.
Cada globo tiene su propio tamaño y forma parte de una gigante pero delicada composición.
Un colectivo de ingenieros y artistas de Uruguay crearon una instalación interactiva basada en globos iluminados.
La instalación artística "Celebra" podrá indicar por su nombre el ánimo festivo detrás de su concepción, pero el material utilizado como base termina de cerrar su significado.
Se trata de una obra de arte interactiva donde 200 globos blancos de un metro de diámetro conforman una nube que cambia de colores de acuerdo a los estímulos sensoriales que reciba.
los artistas, ingenieros y músicos que unieron sus conocimientos técnicos con la idea de un arte interactivo para elaborar esta idea fueron Christian Clark, Fabrizio Devoto, Pablo Gindel y Tomás Laurenzo. Estos artistas conforman el colectivo Bondi y trabajan dentro de Medialab, el laboratorio de Medios de la Facultad de Ingeniería.
Los protagonistas de "Celebra" son los globos. Estos son colocados para conformar una "nube interactiva", que gracias a pequeños LED RGB colocados en su interior se iluminan de cualquier color deseado. Los patrones de colores son el resultado de la mezcla de un conjunto de estímulos, según explicó Clark, hace que los globos se tiñan con diferentes saturaciones según la potencia del sonido y su frecuencia predominante.
Estos sonidos fueron detalladamente elegidos, ya que la música que da vida a esta nube fue creada por los mismos realizadores.
Pero la interactividad también involucra al público, ya que mediante cámaras se capta a los asistentes que se internan en la nube, haciendo que se enciendan los globos cercanos a ellos.
¿Se ha preguntado alguna vez cuánto aire hay en el espacio que ocupa? Martin Creed, nacido en 1968 en Wakefield, Reino Unido, ha calculado el volumen de aire expositivo de la planta baja del Museo de Arte Contemporaneo de Vigo (6.683 metros cúbicos repartidos en tres patios, tres galerías y la rotonda central) y ha materializado la mitad en globos, creando una marea azul de aire contenido que invita al espectador a sumergirse en su primera instalación individual en España. La mitad del aire en un espacio dado alcanza en las salas del museo vigués la mayor magnitud hasta la fecha, con mas de 50.000 globos de color azul celeste convertidos en contenedores de aire, que llenan y al mismo tiempo vacían el espacio, alterando por completo la percepción del mismo y la experiencia física del espectador.
"Los globos son la forma más sencilla de contener el aire, y el aire, no se ve. los sentimientos son demasiado importantes y no los ves". La obra de Creed tiene mucho experimento sociólogo.
Masayoshi Matsumoto es un joven japonés nacido en 1989 que realiza estas excelentes esculturas utilizando globos. Sin ningún tipo de pegamento ni método de unión que los propios globos, confecciona animales de todo tipo jugando con las formas y los colores.
Poca información nos ofrecen sus sitios web. Estudió en el Instituto Tecnológico de Tokyo, y periódicamente agrega nuevas creaciones, a cual más ingeniosa.
Vanessa Beecroft es una artista contemporánea italiana nacida el año 1969 en Génova, Italia. Estudió arquitectura en el Liceo Artístico Cívico Nicoló Barabino desde 1983 a 1987. Desde 1987 a 1988 estudió en la Academia Liguistica Di Belle Arti, en la especialidad de lingüística. En Milán estudió en la Academia de Bellas Artes de Brera (diseño) desde 1988 a 1993.
A partir de 1994, comenzó una serie de performances con su marca personal, a lo largo de una noche, un grupo de hombres con uniforme, o de mujeres caucásicas, permanecen en la sala de la galería o museo.
Uno de los puntos de referencia fundamentales de Vanessa Beecroft lo tiene en sus problemas de anorexia, los cuales le lleva a reflexionar de forma constante acerca del cuerpo de la mujer, sobre su apariencia física y la percepción que de ello tiene la sociedad en general, y las propias mujeres en particular.
A pesar de sus obsesiones y problemas de juventud, que han dejado una fuerte impronta en su obra, no hay un mensaje prefijado. Beecroft no reivindica nada, no lucha públicamente contra nada. En sus performances muestra el cuerpo femenino una y otra vez, pero sus razones son más artísticas y expresivas que literarias o sociales. Si hay algún contenido de fondo, no es otro que la normalización del desnudo y del cuerpo de la mujer, siempre con un punto de provocación, pero sin abanderar ninguna causa.
Peter Kogler, nacido en Austria en 1959, es un artista multimedial,además, es uno de los pioneros del arte generado por computadora. Estudió en la academia de Bellas Artes de Viena y ha expuesto sus obras desde 1979.
Su trabajo adopta un enfoque basado en la arquitectura , el cine y los nuevos medios de comunicación digitales. Kogler comenzó a experimentar en el arte a principios de la década de 1970 con piezas que exaltaban lo gestual-simbólico; el quiebre llegó veinte años más tarde con la inclusión de ordenadores y un trabajo profundo dentro del denominado Cave: Cave Automatic Virtual Enviornment (Cueva con un entorno automático y virtual), una habitación de tres metros de alto, por tres de ancho, por tres de largo, abierta en uno de sus lados. En toda la superficie, techo y suelo incluidos, se proyectan imágenes digitales en tres dimensiones que se realzan con un sistema de lentes que deben llevar puestos los espectadores. El concepto es modificar el espacio expositivo, mediante la utilización de la tercera dimensión, la tecnología aplicada a la información, la comunicación y la arquitectura cinematográfica.
Kogler es un renombrado artista austriaco que vive y trabaja en Viena, y tiene al mundo hipnotizado con su última instalación artística psicodélica en el centro de arte ING de Bruselas. Usando pintura y proyecciones, ha convertido sencillas galerías, pasillos y zonas de tránsito en sitios distorsionados y retorcidos.
Peter es uno de los pioneros en crear arte generado por ordenador. Lleva más de 30 años creando arte y aún consigue sorprender a los espectadores.
El artista Peter Kogler es capaz de transformar galerias, lugares de tránsito y vestíbulos ordinarios en experiencias casi alucinógenas con sus mareantes gráficos que recuerdan a los "espejos mágicos" de las ferias.
Durante más de 30 años, el artista austriaco ha combinado la arquitectura con los nuevos medios para construír ambientes inmersivos y elementos escultóricos que buscan redefinir los espacios físicos.
Decorando las paredes con ilusiones ópticas, deasfía la sensación de profundidad (y la cordura) del espectador con sus ambiciosas instalaciones monocromáticas de patrones repetitivos que incluyen tubos, hormigas y patrones parecidos a serpientes.
Las obras más recientes de Kogler han sido expuestas en el ING Art Center de Bruselas y en el ERES-Stiftung en Munich.
